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Entrevista con fotógrafos profesionales sobre su carrera y su forma de ver la fotografìa

Entrevista Fede Ruiz Santesteban – Poesía fotográfica con procesos alternativos de revelado

El fotógrafo y arquitecto uruguayo, Fede Ruiz Santesteban, experimenta con procesos alternativos de revelado, un trabajo de prueba y error, creatividad y de apertura a descubrir nuevas formas en la fotografía. En esta entrevista FNF nos cuenta cómo inició su trabajo con la imagen y por qué la naturaleza (plantas, clorofila y agua de mar ) es parte vital de su obra.

Fede Ruiz Santesteban ha expuesto su trabajo en salas de Uruguay, Argentina, Perú, Cuba, Austria, Portugal, EEUU y Angola, así mismo participó en 2018 en el Festival de creatividad de Cannes con sus revelados sobre plantas. Hace parte del centro cultural Espacio Hiedra en la ciudad de Montevideo en Uruguay.

Bienvenidas y bienvenidos a conocer esta historia llena de poesía.

El extraño caso del jardinero – ©Fede Ruiz Santesteban

¿Qué es la fotografía para Fede Ruiz Santesteban?

Las respuestas tenderían a infinito. Podría sintetizar en entender a la fotografía como vehículo para la expresión y como puente de conexión, tanto en el desarrollo de mis proyectos artísticos como el la gran cantidad de vínculos que me ha permitido gestar desde la docencia. 

Cómo inicia su camino en la fotografía.

Fue hacia finales de los años 90. Me empezó a interesar la fotografía mucho antes de tener cámara. Sandro Pereyra, quien fuera mi  docente, me convenció de lo relativo de la herramienta y así comencé mi primer taller: al principio sin cámara, luego con una Zenit que me prestó  un amigo del barrio. La facultad de arquitectura, casi sin querer, también me enseñó a mirar. Sandro fue el primero en confiar en mi ojo fotográfico (mucho antes que yo) y me invitó a formar parte de un periódico de la ciudad. 

El extraño caso del jardinero – ©Fede Ruiz Santesteban

Qué aporta su profesión de arquitecto a su trabajo como fotógrafo?

Son disciplinas indisolubles. Empecé a estudiar arquitectura y fotografía casi en simultáneo. Con el tiempo comencé a darme cuenta que los vínculos eran más francos de los que imaginaba. Desde ese momento, el arquitecto está presente en el desarrollo de cada proyecto fotográfico y el ojo fotográfico en cada línea en el plano.

Como ejemplo podría decirte que mi trabajo con procesos alternativos de revelados tiene un germen en reflexiones arquitectónicas

Herbario – © Fede Ruiz Santesteban

La naturaleza es parte esencial de su obra, cómo surge esta inquietud y qué papel juega ella en su trabajo?

Porque pretendo que mi obra sea, ante todo, una continuidad de lo que soy y del lugar donde tengo echadas las raíces. Crecí  rodeado de plantas, en un entorno natural a las afueras de Montevideo. Más que una inquietud es la consecuencia de tomar relevancia de lo que me rodea. De intentar celebrar la poesía de lo cotidiano.

La relación hombre naturaleza es resultado de sus fotografías, cómo llega a plantearse el desarrollo de sus proyectos? Un ejemplo de ellos 

Esa relación la vivo en primera persona, la fotografía me ha ayudado a prestarle más atención.

El ejercicio primario es pensarme en mi tiempo y espacio. Desde ahí brotan las reflexiones, las ideas, las ganas de hacer pasar mis inquietudes por los filtros que genera esa particularidad.

El extraño caso del Jardinero surge de la revolución que implica el ser padre por primera vez. De la relación con mi hijo, su crecimiento, la sensibilidad fantástica natural en la infancia y su manera de ver el mundo que nos rodeaba en sus primeros años de vida. El jardín de nuestra casa fue el escenario y el medio a través del cual se fue desarrollando el proyecto.  

Batriz – Nieta de Carmela – ©Fede Ruiz Santesteban

¿Cómo llega a las plantas y por qué el uso ellas en sus trabajos?

Las plantas han estado presentes en mi vida desde que tengo memoria. Mi madre siempre estuvo entre los canteros cuidándolas. Las plantas de ese jardín familiar eran hijas de las plantas de los abuelos, y esas eran descendencia de las cuidadas por mis bisabuelos. No siempre fui consciente de esa particularidad. La fotografía y las ganas de sumergirme en los mundos de los procesos creativos me ayudaron a mirar con otros ojos mi cotidianeidad.

Por otro lado, los altos costos operativos del laboratorio tradicional, sumado a la crisis económica que sufrió en Uruguay en el 2002, me forzaron a dejar esa práctica que tanto me atraía. Años después, cuando me propuse buscar estrategias alternativas para volver a revelar por mis propios medios, me di cuenta que las respuestas me estaban rondando en las narices. A partir de ese momento empecé a revelar con esas plantas y a construir mi propio jardín. Ahora el papel fotográfico abunda y me brota sin parar desde las macetas.

Para mirar primero hay que mirarse

Fede Santesteban
Playeos ©Fede Ruiz Santesteban

Uno es la fotografía que hace ¿Qué cuenta la fotografía sobre Fede?

Preferiría decir: primero, uno es. La fotografía que me emociona es la que se presenta como una consecuencia de las reflexiones que lleguen de esa búsqueda inicial. Ojalá que los que aproximen a mi trabajo puedan ver ese camino en cada proyecto. Las respuestas a las preguntas anteriores van en ese carril. Para mirar primero hay que mirarse.

Playeos/ fotos reveladas con agua de mar

¿Cómo nace la pasión por el desarrollo de los procesos alternativos y qué aportan ellos en su obra?

Es hija de una limitante, de las ganas de volver a revelar pero evitando los altos costos que implicaba trabajar en el laboratorio tradicional en aquel contexto. Como expresé anteriormente, la chispa se encendió en la arquitectura, con el desarrollo de mi proyecto de final de carrera. En ese marco me propuse solucionar problemas habitacionales con estrategias de bajo costo, factibles de realizar con materiales del entorno y con procesos sustentables. La construcción con procesos y materiales alternativos me fue dando las respuestas buscadas.

Mi incursión en los procesos alternativos en la fotografía no fue por lo alternativo en sí. Fue la respuesta que encontré a las inquietudes que me surgieron. Uno de los objetivos era  el fusionar la accesibilidad de la fotografía digital con la alquimia del revelado. También me era de importancia encontrar estrategias para que la huella del autor, con sus aciertos y sus errores, pueda estar presente en la materialización de la obra.

Podas ©Fede Ruiz Santesteban

La técnica es imprescindible en todo arte y se mejora con la práctica, pero la técnica por si sola no hace la obra, lo dijo Eduardo Salvatore en 1950, Cúal es su objetivo en la fotografía

Comparto plenamente la reflexión. Creo que la técnica tiene que ser un vehículo y no un fin en sí mismo. Eso es lo que anhelo en mis proyectos. Asumo que los gestos técnicos son importantes y posiblemente son la puerta por la cual llego a la mirada de muchas de las personas que se topan con mi trabajo. El gran desafío es que haya algo más al pasar esa puerta. La técnica, los materiales a utilizar y la manera en que materializo las piezas forman parte del marco conceptual de los proyectos. 

El agua del mar de mi barrio, las plantas del jardín familiar, la clorofila de las malezas: los materiales ya traen una carga poética previa, a veces se trata sólo de continuar por ese carril ya establecido

Herbario – ©Fede Ruiz Santesteban

Plantas que se revelan para rebelarse”, cómo nace herbario, uno de sus trabajos 

Vivo a las afueras de Montevideo, una zona que en mi infancia era un balneario poco habitado y que en poco tiempo fue absorbido por la mancha urbana generada producto del crecimiento de la metrópolis. En ese proceso se fue generando una transformación muy grande del medio ambiente y de las particularidades que tenía la zona. Este es un tema que me afecta desde hace mucho tiempo, incluso antes de que empezara a trabajar con procesos alternativos. 

Herbario es darle voz a plantas consideradas habitualmente como “malezas” “yuyos” o “invasoras” que nacen naturalmente en este entorno. En el marco de esta propuesta las entiendo como un foco de resistencia  que vuelve por lo que es suyo. Especies que hasta en pleno centro de una ciudad son capaces de rajar hormigones o aferrarse a las paredes para brotar y florecer. 

En Herbario fotografío y estudio el poder fotosensible de estas plantas, especies que se revelan para rebelarse. Trabajo en el que estoy aplicando nuevas estrategias en los procedimientos de revelados y que incluirá un proyecto forestal comunitario en el que canjearé originales con personas que planten un árbol como contrapartida.

En pocas semanas estaré inaugurando la muestra y el proyecto forestal. Los que gusten pueden ser parte a la distancia.

El extraño caso del jardinero – © Fede Ruiz Santesteban

Tres fotógrafas o fotógrafos que nos recomiendes?

Sintetizar en tres es muy difícil. Voy a aprovechar la oportunidad para nombrar a tres uruguayos que admiro: Diana Mines, Roberto Fernández y Sandro Pereyra

Podas © Fede Ruiz Santesteban

Algún consejo para los chicos que empiezan en la fotografía y ven en los procesos alternativos un lugar donde les gustaría experimentar.

Procesos alternativos, revelados tradicionales, rollo, digital full frame, celular…

Creo que lo más importante es la experimentación, teniendo como norte el ir en búsqueda de una mirada propia. Que las herramientas y las técnicas estén al servicio de eso, sea cual sea el gesto elegido.

Conoce el trabajo de Fede Santesteban en:

Playeos © Fede Ruiz Santesteban
Autorretrato Fede Santesteban – Carmela © Fede Ruiz Santesteban

federuizsantesteban.com

Instagram: @fede_ruiz_santesteban

Entrevista: Gabriel Galindo, fundador FNF


¿Quieres presentar tus trabajos en FNF? escríbenos a fotografonofotografo@gmail.com y síguenos en las redes Twitter: @nofotografo – Facebook: Fotógrafo No Fotógrafo

“Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz” entrevista con Malcolm Linton

En el año 2016 Colombia firmaba el Acuerdo Final entre la guerrilla de las FARC y el Gobierno nacional, un hecho histórico para el país y el mundo. Miles de hombres y mujeres pasaban de la lucha armada a lucha con la palabra y los argumentos. En ese escenario, Malcolm Linton, fotógrafo británico-estadounidense, decide adentrarse a los campamentos donde los integrantes de la guerrilla esperaban el final de los diálogos y el cumplimiento de este Acuerdo.

Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, es el título que Malcom dio a su libro. Un nombre que nace del relato de Franz Kafka y de la búsqueda de una palabra que se escribiera y tuviera un significado similar en inglés y en español. Esta publicación busca presentar a los excombatientes como lo que son: personas con sentimientos y emociones, que aman, que lloran, que tienen un anhelo de paz. Sus imágenes cuentan la cotidianidad en los campamentos y ese tránsito hacia la vida civil.

Sin fotos posadas y con gran respeto por la persona fotografiada, Malcom logró ganarse la confianza de estos hombres y mujeres. Se trata de un trabajo sincero que revela la cercanía con los sujetos y que solo se consigue con el tiempo y el diálogo constante.

Formación - © Malcolm Linton
Formación – © Malcolm Linton

Es un trabajo que pretende modificar las preconcepciones de los opositores de la paz” señala el autor en la introducción que acompaña el libro y que busca mostrar que los “únicos monstruos son criaturas de la retórica y no de la realidad“.

La esperanza de la paz y el optimismo porque el Acuerdo de Paz se cumpliera, lograron contagiar al autor del libro. Sin embargo, hoy estos sentimientos se desmoronan debido a las situaciones que han venido viviendo los excombatientes: en menos de tres años, 130 de estos hombres y mujeres que entregaron las armas y buscaban la reconciliación, han sido asesinados.

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Portada Metamorfosis: Guerrilleros en busca de paz

En esta entrevista de Fotógrafo No Fotógrafo recorremos fragmentos de la vida de Malcom Linton como fotógrafo, sus búsquedas, su apuesta por los temas sociales en sus historias y cómo realizó el libro Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, publicación editada e impresa por Villegas y Editores.

Le damos la bienvenida a una nueva historia en FNF

El Placer y el Dolor, obra y exposición de Eduardo Segura

Eduardo Segura, fotógrafo argentino, ha trabajado durante más de dos décadas en Paraná, provincia de Entre Ríos, donde dirige el Festival Internacional de Fotografía de esta ciudad. Su trabajo es una constante búsqueda a través de la fotografía por expresar sus sueños, pasiones y miedos. Días antes de que inauguré su exposición El Placer y el Dolor, tuvimos la oportunidad de hacerle esta entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo:

Fotógrafo No Fotógrafo: Cómo nace tu interés por la fotografía?

Eduardo Segura (E.S): Desde los años 80 cuando comencé a visualizar, entre otras artes, mi gusto y necesidad de observar al mundo, me formé como músico, como realizador de cine, como amante de la literatura y todas las artes. Estudié formalmente la carrera de fotografía en Córdoba con pocos recursos aunque con mucho interés. La fotografía para mí es un arte como otros; y como ya traía en mis células el arte, fue un recurso más en mi proceso de integrar todas las artes.

© Cianotipias - Eduardo Segura
© Cianotipias – Eduardo Segura

F.N.F: ¿Qué significa la fotografía para Eduardo Segura?

E.S: La fotografía es poner todos los días el ojo en algo nuevo. Es una práctica diaria como método de registro personal. Dirijo mi propia escuela y sigo constantemente produciendo obras para exponer, para revisarme, para mirarme profundamente de dónde vengo, dónde estoy y hacia dónde voy.

F.N.F ¿Cómo haces para elegir el tema que vas a desarrollar en cada serie?

E.S: Son procesos largos, como de cinco años cada uno. Comienzo con un shooting de prueba, algo así como un ensayo, y de allí trabajo arduamente unos años solo mirando ello. Los voy probando, voy poniendo y sacando cosas hasta que el tema se concluye, se diluye en otro más importante y allí me doy cuenta que ya está cerrado.

Comienzo como si fuera un disco a terminar, como un proyecto que debe ser concluido y en el mismo momento de no poder dar más me retiro y lo dejo solo.

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Las hojas que se lleva el viento – Fitogramas – ©Eduardo Segura

F.N.F: La estética de tus series se diferencia una a otra, ¿cómo llegas a esa decisión (b&n, color, intervenciones)?

E.S: Por la misma relación con el tema. Hay cosas que en un momento me interesaban, muchos otros dejaron de ser míos y los dejo cerrados como temas, sin necesidad de volver a ellos. Durante un tiempo estoy disponible para el tema hasta que me salgo de allí. En algunos temas puedo intervenir más y en otros no. En algunas de mis obras hay mucha intervención y en otras dejo que el ojo decida el momento. Por necesidad o por carencia siempre miro a la fotografía como un hacer, como algo que uno siempre está construyendo con más o menos herramientas, según sea el caso.

F.N.F: ¿Cómo describes el trabajo que desarrollas?

E.S: Divulgar, comprender, intentar y lograr objetivos personales y de quienes deciden comenzar el estudio de sus intenciones. Trabajo para mí y para otros que están cerca mío. Digamos que puedo con la misma intención hacer mi propio camino y también darles la oportunidad a otros que crucen el charco, que se animen a exponer y a divulgar. Esto lo hago como gestor.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F: ¿Cómo surge la idea de desarrollar la serie El Placer y el Dolor?

E.S: Un proceso que se inició luego de mi trabajo anterior que se llamó Mom. Comencé a mirar el tatuaje como una elección de algo permanente en el cuerpo que luego desaparece con la muerte. Fue un tema muy fuerte porque yo no estoy tatuado ni tengo intenciones de hacerlo, fue un homenaje a quienes toman esa decisión.

F.N.F ¿Por qué el nombre El Placer y el Dolor?

E.S: Principalmente es eso, decidir el paso entre el placer de tatuarse y el dolor que requiere hacerlo. Muchas cosas que uno decide hacer en la vida primero son placenteras y luego dolorosas: un paso entre el juego y el músculo dolido; el paso entre el amor, el miedo y la muerte. De allí el significado del placer al dolor. Quizás el dolor es más permanente, quizás el placer es mas momentáneo. Un equilibrio entre las dos polaridades del tema.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F: ¿Buscabas algún elemento particular en los tatuajes o en las personas que fotografiabas?

E.S: Solo buscaba personas tatuadas, no tanto el tatuaje como método sino como excusa. Trabajé haciendo muchas sesiones que quedaron fuera de esta serie. Fueron muchas fotografías y me quede con unas 50 o 60 que fui observando para elegir qué hacer con ellas y en qué formatos trabajarlas. Unas fueron a cianotipias, otras a lonas, otras a papel y otras a hojas de plantas expuestas a la luz del sol.

F.N.F: ¿Durante cuánto tiempo has estado desarrollando esta serie?

E.S: Aproximadamente 5 años desde una base inicial hasta hoy. Ha sido un tiempo en donde sucedieron muchas cosas, muchos temas, viajes, exposiciones, clases, etc. Desde el año pasado ya sentía que debía soltarla y decidí hacerlo con formatos muy grandes y otros muy pequeños, así como ecléctica. Aun así la expo es móvil y está en varios formatos diferentes para ser expuesta en otros sitios, también fuera de Argentina.

La obra siempre la pienso como un compilado para llevar en maleta. Trabajo con formatos flexibles, con formatos mini y otros que me ayudan a continuar mi investigación, sobre todos los procesos antiguos y todo aquello que traiga la tecnología.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F  ¿Dónde y durante cuánto tiempo va a estar la obra?

E.S: La expo estará en Paraná hasta el 5 de noviembre en la Casa de la Cultura de Entre Ríos y esperando que salga a las rutas del mundo muy pronto.

Si te interesa conocer más del trabajo de Eduardo Segura te dejamos su página web: eduardosegura.com.ar

Y si tú también quieres presentar tu trabajo en nuestro blog escríbenos a través de nuestras redes:  FotografoNoFotografo en Facebook, @NoFotografo en Twitter y en Instagram como @FotografoNoFotografo.

Walter Astrada en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Walter Astrada nos los encontramos en la ciudad de Montevideo a finales del año 2017 cuando participaba en el festival de fotografía Errante, allí impartió un pequeño curso sobre “Metodologías de un reportaje” ése fue el momento donde pudimos hacerle la invitación a hablar con Fotógrafo No Fotógrafo.

En esta entrevista con Walter Astrada hablamos sobre el inicio de su vida como fotógrafo y su primer acercamiento a la fotografía. Un camino que ha sido largo y en el que se ha destacado por cubrir hechos de guerra, violaciones de derechos humanos y por mostrar realidades que viven diferentes sociedades en el mundo pero que en algunos momentos se entrelazan entre sí. Un ejemplo de ello es su trabajo sobre violencia contra la mujer al que ha dedicado varios años  y por el que ha sido ampliamente reconocido.

Violence against women in India, Sex selective abortion
PUNJAB, INDIA – Noviembre  2009 :Un grupo de mujeres dentro de una casa de protección en Rothak (Haryana). Muchos de los residentes fueron rescatados después de haber sido traficados para ser vendidos como esposas o para trabajar como prostitutas en Haryana y Delhi; Parecen casi paralizados por el trauma de sus experiencias/ © Walter Astrada

Su dedicación y conocimiento por las historias que cubre lo han hecho ganador de varios reconocimientos, entre ellos el World Press Photo, en tres diferentes ediciones. ¿Qué significan estos premios para él? Astrada ve en estos reconocimientos el apoyo para seguir trabajando.

POST ELECTORAL VIOLENCE IN KENYA
Kenia, enero de 2008. Foto tomada en la barriada Kibera – violencia en Kenia tras las elecciones de 2007/ © Walter Astrada

“Viajar con lo mínimo para descubrir lo máximo”

Un cambio en la forma de ver y de vivir historias lo llevó a cumplir un nuevo sueño: recorrer el mundo en una motocicleta, historia que planeó sin siquiera saber conducir una moto, pero que no lo detuvo en su afán de cumplir sus proyectos y que iniciaría un día como hoy, 1 de mayo del año 2015, hace tres años, en Barcelona.

Ver: Alberto García-Alix en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Una charla llena de significados y en la que reconocemos qué impulsa a Walter Astrada a hacer una fotografía. Una conversación en la que nos habla del porqué decidió dejar de cubrir temas para agencias de noticias, cómo desarrolla sus trabajos de largo aliento y diversos consejos que nos da para fortalecer nuestro trabajo como fotógrafos que, como él lo explica, no es nada fácil pero en el que se puede avanzar si hay persistencia, compromiso e investigación.

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Un hombre mongol sube un paso de montaña en su motocicleta china cerca del lago Uureg – Carretera a Ulaangom – Mongolia/ ©Walter Astrada

Ya no escribimos más y los invitamos a que conozcan las historias de Walter Astrada, un fotógrafo que lleva más de 20 años como fotoperiodista y del que seguro tenemos mucho que aprender en este camino de la fotografía.

Los invitamos a compartir esta entrevista en sus redes sociales ya que es la única forma que otras personas conozcan el trabajo que hacemos en Fotógrafo No Fotógrafo y al que dedicamos toda nuestra energía para seguir cultivando entre todos y todas esta pasión por la fotografía.

Sigan el trabajo de Walter Astrada en: walterastrada.com

Y a nosotros en Twitter: @nofotografo  y Facebook: FotografoNoFotografo 

Así será el Festival Internacional San José Foto en Uruguay

Se acerca el día en que fotógrafos, artistas, curadores, amateurs y una ciudad completa se unen para ver y vivir la fotografía, este encuentro que se realiza cada dos años en la población de San José, Uruguay, ya tiene todo listo para empezar la fiesta.

Su nombre es Festival Internacional San José Foto, evento que ha venido dando grandes pasos en la unidad de la fotografía latinoamericana y en el que este año participan fotógrafos de diversos países, entre ellos Luisa Dörr de Brasil, Federico Ríos de  Colombia, Martín Bolatti  de Argentina, Stephen Ferry de Estados Unidos, entre muchas y muchos más artistas destacados.

Ver: Foto Club Uruguayo en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

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El encuentro será del 6 al 8 de abril y tendrá como tema “Vínculos“. Desde esta palabra girarán todas las actividades: revisión de portafolios, workshops, acciones educativas y  feria de fotolibros, que se articularán gracias al trabajo del curador de esta 3ra edición, Nicolás Janowski. Es un evento que tiene por objetivo “llevar la fotografía al interior del Uruguay y acercarla al ciudadano de a pie, apostando por la utilización de formatos y espacios no convencionales” para conocer un poco más sobre está versión 2018 hablamos con el director del festival, Federico Estol, esto nos dijo para Fotógrafo No Fotógrafo:

Conoce la programación del festival San José Foto 

Entrevista realizada en las instalaciones del Foto Club Uruguayo

Alberto García-Alix en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Por más de 40 años Alberto García-Alix ha estado en constante evolución en su forma de ver. Con él tuvimos la posibilidad de hablar en la ciudad de Montevideo luego de la inauguración de su exposición  “El expresionimo feroz

Alberto García-Alix,  es uno de los referentes de la fotografía contemporánea, su trabajo ha sido recocido con el  Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español en 1999, premio PhotoEspaña en 2012 y en último año fue invitado con carta blanca para llevar el trabajo de  seis fotógrafos que expondrían en el aniversario número 20 del  festival PhotoEspaña.

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2011 Gema frente a su horizonte/ ©Alberto García Alix

Su trabajo ha tenido una transformación en el tiempo pero sus temas han sido constantes, motos, mujeres, drogas, la vida y la muerte. Uno de sus amores ha sido el retrato, además de esto ha incursionado en el mundo audiovisual, entre sus producciones se encuentra  “De donde no se vuelve” una película autobiográfica que recorre a través de la narración de Alix la poesía escrita y la imagen del autor.

Fundador de la revista cultural “El Canto de la Tripulación” (1989 a 1997), y más recientemente cofundador de la editorial Cabeza de Chorlito, en las que ha colaborado como editor. (Ver:  Erika Diettes en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo)

Una forma de ser, es una forma de ver. Una forma de ver, es una forma de ser.” dice Alberto Garcia Alix en esta charla que recorre sus inicios en la fotografía y cómo a través de los años ha construido y fortalecido su forma de ver.

No te pierdas esta conversación que realizamos en colaboración con  Foto Club Uruguayo y  Fotógrafo No Fotógrafo, no olvides compartirla en tus redes sociales y como siempre quedamos atentos a tus comentarios.

Sigue el trabajo de Alberto García Alix en : albertogarciaalix.com

Síguenos en Twitter: @nofotografo  y Facebook: FotografoNoFotografo 

Foto de portada por Gabriel Galindo ©

Foto Club Uruguayo en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Han pasado más de 120 años desde que un grupo de fotógrafos amateur vieron la necesidad de reunirse alrededor de la fotografía en Uruguay. Sus encuentros lograron la creación de la Sociedad Fotográfica de Aficionados (1884-1901), que dio paso al Foto Club de Montevideo (1904-1917), a las Peñas Artísticas Fotográficas en la década de 1930 y, finalmente en 1940, al Foto Club Uruguayo.

Una asociación que desde sus inicios ha sido un espacio de debate, enseñanza y difusión de la fotografía. Un lugar de encuentro de fotógrafos profesionales y principiantes en el que comparten sus conocimientos para evolucionar técnica y artísticamente .

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Tapa del boletín de Foto Club Uruguayo, Junio 1985. Foto de tapa: M. Batista

A lo largo de sus 77 años de trayectoria, el Foto Club Uruguayo se ha convertido en un lugar referente de la fotografía en este país. Ha sido testigo de diversos quiebres en la historia política, cultural y tecnológica, los cuales ha asumido y superado. (Ver: Olga Lucia Jordán en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo)

En el tiempo ha mantenido intacto su espíritu clubista, sus objetivos y la misma pasión por la fotografía con la que se fundó. Cambian los integrantes del Club, la sede y los equipos, pero lo más importante permanece en el tiempo.

En esta entrevista de Fotógrafo No Fotógrafo dialogamos con tres de las personas que hoy trabajan desde diversos ámbitos en el Foto Club Uruguayo, quienes nos llevarán a conocer más sobre su historia, actividades, proyectos y publicaciones, como Materia Sensible.

Revista Materia Sensible
Revista Nº16 Materia Sensible – Portada Tali Kimelman. Publicación: Foto Club Uruguayo, Noviembre 2017

Una charla que rompe el formato de nuestras entrevistas anteriores, pero en la que continuamos indagando sobre nuestra pasión por la fotografía, descubriendo consejos, historias y nuevos fotógrafos para ampliar nuestra cultura visual. (Ver: Santiago Harker en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo)

Sigue toda la información del Foto Club Uruguayo en fotoclub.org.uy. 

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Juan Arredondo en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Iniciamos el 2017 con nuevas historias de hombres y mujeres detrás del lente. Personas que han decidido encaminar su vida en la fotografía. Charlas que indagan en la vida de los fotógrafos y fotógrafas lejos del afán que vivimos a diario y nos llevan a conocer el sentido de sus imágenes.

Barrio Triste
© Juan Arredondo – Barrio Triste

En esta ocasión nuestro invitado es Juan Arredondo, un joven fotógrafo que abandonó la comodidad de su trabajo como químico en Estados Unidos para recorrer con su cámara las veredas, los pueblos y las ciudades de América Latina, especialmente de Colombia.

Fotógrafo de trabajos de largo aliento, metódico como en su profesión de químico a la hora de obturar e interesado en temas sociales. Aprendiz de Eugene Richard y Lori Grinker, reconocidos fotógrafos estadounidenses, de quienes aprendió sobre la honestidad a la hora de fotografiar y el  gusto por los lentes gran angulares.

Para Fotoperiodistas: Syllabis, protocolos y consejos de seguridad para fotoperiodistas

Juan Arredondo
©Juan Arredondo – Nacidos en el conflicto: Los niños soldados en Colombia

Sus reportajes gráficos lo han llevado a trabajar con reconocidos medios de comunicación como The New York Times, organizaciones como el Comité Internacional de la Cruz Roja y ha sido galardonado en múltiples ocasiones por sus historias, el más reciente es ICRC Humanitarian Visa d’or award en 2016. Con él hablamos sobre la relación fotógrafo-editor, su opinión sobre la fotografía en los medios de comunicación colombianos y sus reportajes más reconocidos como Barrio Triste y Nacidos en el conflicto: los niños soldados en Colombia.

Le puede interesar:Santiago Harker en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Bienvenidos a conocer la historia de Juan Arredondo en Fotógrafo No Fotógrafo y no olvide seguirlo en redes sociales y opinar sobre esta entrevista. 

En Twitter: @arrejuan

En Instagram: @juanarre

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Entrevista con Johnny García, fotógrafo de bodas del año

La fotografía de bodas ha evolucionado con el pasar de los días, atrás ha quedado la fotografía grupal en las que todos sonreían porque el fotógrafo lo pedía,  o la foto de la familia delante de la torta de bodas haciendo  caras fingidas o posturas incomodas.

Ahora la fotografía de bodas es toda una profesión en el mundo, al  punto que se crean seminarios, grupos, especializaciones y un sin fin de cursos y asociaciones para trabajar este tema que ha  tenido un boom importante en nuestro país.

Esta evolución y por petición de varios de nuestros lectores hemos decidido abordar el tema con uno de los fotógrafos más destacados en este tipo de fotografía, su nombre es Johnny García, nacido en Extremadura España, galardonado como Fotógrafo del Año 2016, premiado en el Wedding Photography Select en Reino Unido y en el  Fearless Award en Estado Unidos.

“Solo hay que ver su trabajo para ver que ya estamos ante un nuevo cambio en la fotografía de boda en España apostando por unas fotografías de boda mas impactantes y mucho mas artísticas” palabras de la Asociación de Fotógrafos de Boda España sobre Johnny García

 

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Johnny García – Fotógrafo internacional de boda

Esto nos contó el fotógrafo de Extremadura quien con su  creatividad y pasión ha logrado posicionarse como uno de los más destacados en la fotografía de bodas.

Fotógrafo No Fotógrafo:  ¿Hace cuánto tiempo te dedicas a la fotografía de bodas?

Johnny García: Pues en agosto de este año, 2016, ha hecho 16 años que me dedico profesionalmente a la fotografía y con ello a la fotografía de bodas.

F.N.F : ¿Qué te atrajo de este tipo fotografía? ¿Por qué te dedicas a ella?

Pues al principio hacía de todo, boda, publicidad, prensa, moda, estudio…. el paso de los años haciendo de todo me pasó factura porque me llegué a acomodar demasiado, y quería abarcar todas las áreas fotográficas, así que la manera más fácil era hacer lo mismo siempre, es decir, no experimentaba nada nuevo, no hacía nada que saliera de mi normalidad, de mi zona de confort. Esto con el paso del tiempo me llegó a quemar, me aburría, no encontraba ningún aliciente y todo se convirtió en mera rutina. Pasé una crisis de creatividad muy grande, por un tiempo llegué a odiar la fotografía de bodas y pensé muy seriamente en dejar de hacerla. Pero una serie de circunstancias hicieron que me encontrase con compañeros por el camino que me aportaron cosas diferentes y que me animaron a seguir, haciendo que me planteara de una forma diferente el tipo de fotografía que estaba realizando. Junto a estas circunstancias se unió una formación diferente a la que había optado anteriormente y todo en conjunto me sirvió para darle prioridad a fotografiar historias de personas, que es realmente lo que me gusta. Empecé a realizar un trabajo mucho más mío, mucho más fresco, que fue lo que me apasionó de la fotografía en mis inicios, y experimentando día a día. Y ahí fue cuando empecé a darle más prioridad a las bodas. Me gusta fotografiar personas, me gusta fotografiar historias y por eso me gustan las bodas, todas ellas son historias propias llenas de personas.

Johnny Garcia | Fotografia
© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

F.N.F: Cuando eres contratado para hacer las fotografías de una boda ¿Cuál es el mensaje qué quieres dejar? 

J.G: Las personas que me contratan me dan la posibilidad  de contar desde mi mirada uno de los días más importantes de sus vidas, solo les pido que confíen en mi y que sean ellos mismos. Con mi trabajo quiero transmitir todo lo que pasa en ese gran día. Todas las historias que ese día trae consigo, las historias de cada pareja.

Johnny Garcia | Fotografia
© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

F.N.F:  ¿Cómo es tu interacción con las parejas antes, durante y después de la boda?

J.G: Pues antes de la boda suelo hablar mucho con la pareja, intento conocerlos y que me conozcan para que el día de la boda pueda pasar lo más desapercibido posible. Ese día intento no intervenir en nada y ser un mero espectador captando lo que ocurre con mi cámara. Después de la boda la mayoría de las parejas acaban convirtiéndose en buenos amigos.

Johnny Garcia | Fotografia
© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

F.N.F: ¿Qué te hace diferente de otros fotógrafos de bodas?

J.G: Ufff, pues no lo se, esto lo deberían contestar las parejas que se deciden por mi y no por otros compañeros. Solo te puedo decir que le pongo mucha pasión a cada reportaje, lo doy todo con cada una de mis parejas e intento superarme día a día.

F.N.F: ¿Fue eso lo que te hizo merecedor del Premio de Fotógrafo de bodas del año en España?

Pues eso fue lo que decidió el jurado. Cuando lo recibí pensé si realmente me lo merecía con el buen trabajo que están realizando los demás compañeros, y aún lo sigo pensando. La verdad es que lo comparto con todos ellos, entre todos creo que estamos haciendo que esta profesión poco a poco se vea más reconocida.

F.N.F:  ¿Trabajas solo o en equipo?

J.G: Desde hace dos años trabajamos en equipo. Anteriormente trabajaba solo, pero las cosas en equipo siempre se realizan mucho mejor.

Johnny Garcia | Fotografia

F.N.F: ¿Qué equipo utiliza para tus fotografías de bodas? 

J.G: La verdad es que no me obsesiona el tema marcas, ahora mismo utilizo Canon, que es con la que me encuentro cómodo, siempre voy con dos cuerpos y desde hace un par de años con lentes fijas, 35mm, 50mm, 85mm y 135mm, el 75% de mis fotografías están realizadas con el 35mm. Uno o dos flash de mano siempre fuera de cámara y disparador via radio.

F.N.F:  ¿Qué crees que ha evolucionado y cambiado en la fotografía de bodas?

J.G: Pues creo que ahora se hace un tipo de fotografía más “creible”, más real, es decir, antes el 98% de las fotografías eran posados, ahora los posados han pasado a ser sólo los de la sesión de pareja, y además es un posado mucho más natural. El resto, la mayor parte, es totalmente documental. Creo que ahora nos importa mucho más la historia de esa pareja, somos mucho más cercanos a ellas.

Johnny Garcia | Fotografia
© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

F.N.F:  ¿Qué elementos hacen que una fotografía de bodas sea buena?

J.G: Momento, luz y composición… los tres elementos clásicos de ahora.

F.N.F:  ¿Qué otros fotógrafos sigues y recomiendas ver a quienes les interesa la fotografía de bodas?

J.G: Podría dar una lista interminable, hay muchos compañeros con un nivel extraordinario ahora mismo, es imposible nombrarlos a todos. Que me hayan aportado  personalmente de una manera más directa en los últimos años, bien sea por workshops, por experiencias con ellos o por empaparme de su gran trabajo recomiendo seguir a Víctor Lax, Pedro Cabrera, Mauricio Arias, Fer Juaristi, Brett Butterstien, Kevin Mullins,…. creo que soy tremendamente injusto con todos los grandes que no voy a nombrar y que merecen estar aquí. Ahora mismo hay un nivel muy muy alto en la fotografía de boda. También recomiendo seguir a grandes documentalistas, aunque no realicen bodas, a mi personalmente me aportan muchísimo con su trabajo para aplicarlo a las bodas.

Johnny Garcia | Fotografia
© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

F.N.F: ¿Cuál sería tu consejo para las personas que se quieren dedicar o hacer este tipo de fotografía?

J.G: Mi consejo es que sean ellos mismos, que disfruten de lo que hacen. Que se formen de la manera que sea, pero que estén aprendiendo continuamente, que no se acomoden, que experimenten, que sean honestos y humildes siempre, y a la vez que trabajen mucho mucho, este es uno de los géneros más difíciles de realizar y dominar.

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© Johnny Garcia/ Fotógrafo del año 2016

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Efraín Gómez: el artesano de la fotografía

Efraín Gómez es un hombre que a través de los años se ha convertido en un defensor de la fotografía análoga, amante del cuarto oscuro, del negativo y de los carretes. Este laboratorista y artesano de la imagen conversó desde su lugar de creación con Fótografo No Fotógrafo.

Artesano de la fotografía análoga
Por más de 30 años Efraín a entregado su vida al cuarto oscuro – Foto: Gabriel Galindo

Con tan solo 12 años de edad inició su trabajo en la fotografía, primero como mensajero y después, de la mano de una de sus jefes, conoció el cuarto oscuro, ese lugar en el que se enamoraría del laboratorio químico hasta el día de hoy.

Efraín recuerda con melancolía los días que por su tienda ‘Poder Fotográfico’, ubicada en el centro de la ciudad de Bogotá, no había tiempo para descansar pues allí llegaban decenas de trabajos encargados por revistas, ministerios, fotógrafos aficionados y profesionales que lo buscaban por la perfección de su labor: “si el cliente pagó por algo hay que hacerlo muy bien”, nos dice mientras estamos bajo la luz roja del cuarto oscuro donde rememora esos días de trabajo desmedido. Sin embargo, hoy pocas personas llegan a la tienda que pasó de tener 14 empleados a sólo uno, él, quien se encarga de todos los trabajos.

Por las manos de este artesano de la imagen han pasado las fotografías de grandes fotógrafos nacionales e internacionales como Leo Matiz, Manuel H, Carlos Caicedo y Nereo López, entre otros. Recientemente el fotógrafo estadounidense Stephen Ferry,  trabajó de la mano de Efraín en el revelado de  ‘Violentología’, libro que documenta el conflicto interno armado en Colombia.

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Efraín nos enseña la foto de uno de sus amigos, Leo Matiz – Foto: Gabriel Galindo

Efraín Gómez también es un critico de la inmediatez de la fotografía digital y de las escuelas de la imagen: “las academias no quieren hacer nada, no quieren comprar químicos, no quieren comprar equipos y no le quieren pagar a fotógrafos buenos. Y no van a tener fotógrafos buenos en las universidades porque los grandes fotógrafos no fueron a la academia, ellos se hicieron solos… trabajando”, sostiene con firmeza.

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Al taller de Efraín llegan los amigos a hablar de fotografía y tomarse un café – Foto: Gabriel Galindo

“Con una cámara de película hay que pensar, hay que exponer, hay que encuadrar, hay que medir y sobre todo, hay que pensar”, es una de las enseñanzas que nos regala Efraín y con la cual les invitamos a ver este corto documental sobre el trabajo de un hombre que a través de los años, y pese a las grandes dificultades económicas, le apuesta su vida entera a la fotografía análoga.

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